Die Berührung zählt zu den überlebenswichtigen Grundbedürfnissen des Menschen und kann zu jeder Zeit und an jedem Ort eine andere Bedeutung haben. Was aber genau macht eine Berührung aus? Was macht es mit uns sozialen Wesen und unserer Gesellschaft, wenn Berührung verboten ist, wenn nicht gar, als gefährlich eingestuft wird? Inwieweit hat sich das Wesen des Theaters durch Digitalität in Corona Zeiten gewandelt und was brauchen wir, der Körper der Gesellschaft, wenn wir nach der Pandemie wieder zueinanderkommen können? Wie begegnen wir uns jetzt, da wir uns wieder berühren dürfen? Durch einen taktil erfahrbaren Parkour wDie Berührung zählt zu den überlebenswichtigen Grundbedürfnissen des Menschen und kann zu jeder Zeit und an jedem Ort eine andere Bedeutung haben. Was aber genau macht eine Berührung aus? Was macht es mit uns sozialen Wesen und unserer Gesellschaft, wenn Berührung verboten ist, wenn nicht gar, als gefährlich eingestuft wird? Inwieweit hat sich das Wesen des Theaters durch Digitalität in Corona Zeiten gewandelt und was brauchen wir, der Körper der Gesellschaft, wenn wir nach der Pandemie wieder zueinanderkommen können? Wie begegnen wir uns jetzt, da wir uns wieder berühren dürfen? Durch einen taktil erfahrbaren Parkour werden die Teilnehmenden durch die Performenden hindurch geleitet. Diese Erfahrung soll zeigen, wie echte körperliche Annäherung und die Möglichkeit der Berührung wieder zurück in einen erfahrbaren Raum gebracht werden kann. Die leibliche Berührung der RezipientIn durch PerformerInnen soll in einem Safe Space kreiert werden, der Berührungsgrenzen neu definiert, Körperbilder hinterfragt und einen queeren Umgang mit den Körpern praktiziert. Kann durch die Anonymität eines dunkeln Raumes und die Intimität mit PerformerInnen ein neues Körper- und Berührungsbewusstsein entstehen? Der Parkour ist barrierefrei gestaltet.

Dauer: jeweils 45 Minuten zur vollen Stunde

• Immersive Performance

Outside it might be raining, inside here it's entertaining. This is a story about Sandy, a girl as sweet as candy, gets lost in the woods looking for something to make her feel just anything... The very famous, unseen cult lip-sync musical PANDORA'S HEART is finally coming to town! For the first time ever PANDORA'S HEART is going to be live and playback on stage. If you would like to join this heart-stopping spectacle, please write your name here: https://docs.google.com/spreadsheets/d/1i-7S-22tDV4ePcXjM-DaU_W1bM-5XrQEoDUY_O-Lq-w/edit#gid=0

Always remember: you are allowed clap, sleep, gasp, laugh, shout, sing, cry or even yawn during the show. Sandy awakens a creature from the dark, Pandora is their name, in case one might ask. Pandora is stunning, charming and smart, Sandy wonders if they have a heart. Inside Sandy something changes, actual darkness in her inflames, she tricks pandora in order to kill them - ähm - actually, we are not going to spoil the whole story now. You just need to watch. 

• Performance
• Premiere

As part of the programme "nearly close enough to kiss" happenning in TNT Marburg: The plasticity of time oozing through our fingers. A month that passes by within a blink. An one hour appointment that takes forever. This is also about work, but not about efficiency. It could be about getting lost through being in relation with a work, a doing, a making. To sense time passing by, to exist within one second after the other, to craft throughout one second after the other. To make is to think and we want to transform this into a public and collective sensing and thinking with and for your gaze. 

• Premiere
• Performance

*Ins Nichts mit dir zurück, Herr Prinz von Homburg, / Ins Nichts, ins Nichts! In dem Gefilde der Schlacht, / Sehn wir, wenn’s dir gefällig ist, uns wieder! / Im Traum erringt man solche Dinge nicht!* – Friedrich Wilhelm, Kurfürst von Brandenburg, in „Prinz Friedrich von Homburg” von Heinrich von Kleist Es reicht nicht, von Utopien nur zu träumen - das scheint der Kurfürst dem Prinzen in Heinrich von Kleists Drama zuzurufen. Man muss auch für sie kämpfen. Das, was arglos wie ein Plädoyer für Selbstverwirklichung und das Träume-wahr-werden-lassen wirken könnte, klingt als Gerede von Schlachten und preußischem Militarismus in den Ohren der Gegenwart doch recht befremdlich. Inmitten von Offizieren, Korporalen, Preußenkönigen und Musenrössern, gewürzt mit einer gehörigen Portion Selbstreferentialität, der Versuch einer Annäherung: Was anfangen mit diesem verliebt-verträumten Prinzen, der sich übermütig einem Befehl der Obrigkeit widersetzt und dafür fast mit dem Tod bestraft wird? Sich in einer Montage aus eigenen Texten und Kleist-Versen an der Handlung des „Prinz von Homburg“ entlang hangelnd, setzen sich Laura Maria Bernhardt, Christian Förnzler und Hannah Helbig mit den Auswirkungen einer gewaltvollen Historie auseinander, in der Männer stets auch als Soldaten gesehen wurden. Sie befragen den konventionellen Literaturkanon, der auf der Bühne unermüdlich Werte und Traditionen reproduziert, die wiederum in Volksfesten, bei Fußballspielen oder der Unterhaltungskultur (unabsichtlich) weitergelebt werden. Dabei wechseln sich drei Ebenen immer wieder ab, ergänzen sich, kommentieren sich: Einerseits die Geschichte des Kurfürsten und der Prinzessin Natalie, zu denen sich der Prinz in seinem Machtdrang hingezogen fühlt. Andererseits tritt immer wieder auch der Autor selbst als Kunst-Figur auf, will das Gloria der Gegenwart einheimsen, das ihm zu Lebzeiten weder das preußische Königshaus noch die gefloppte Uraufführung 1821 gewähren wollte. Auf einer dritten Ebene tauchen die Performer*innen selbst als solche auf, inszenieren sich in Videoaufnahmen von angeblichen Probensituationen selbst: als Dramaturg*innen, Autor*innen und Schauspieler*innen. Wovon können und wollen wir im Theater noch träumen? „Kranz und Gloria” ist ein humorvolles und dennoch ernst gemeintes Spektakel nach, über und mit Heinrich von Kleist. Kleiner Anreiz für die, die wir damit noch nicht überzeugt haben: Am Ende gibt's Torte für alle! 

• Festival
• Performance

“Gestures of Horizon” verwandelt den Museumsraum in eine poetische Landschaft voller Geheimnisse und unentdeckter Geschichte. Inspiriert von der Arbeitsweise Maria Reiches, der Forscherin an den Nazca-Linien in Peru, lädt das Stück Besucher:innen ein, sich mit Herstellung und Konservierung von Kunst und der Veränderung von Kunstwerken und Wahrnehmung auseinanderzusetzen. Weiße Zollstöcke durchziehen den Raum und verbinden das Publikum, während sie dazu anregen, über ihre Maßstäbe und den Wert von Kunst und Erfahrung nachzudenken. “Gestures of Horizon” zeigt, dass der Museumsraum nicht nur Erinnerungen und Wissen aufbewahrt, sondern auch eine Landschaft der Interaktion und Kommunikation ist, wie die Gesteinsschichten, die das Museum umgeben und eine ganze Welt in sich tragen. Der Raum lädt dazu ein, eine Reise der Sinne zu erleben und die langsame Veränderung von Klang und Form zu erfahren. “Gestures of Horizon” fordert dazu auf, diese Landschaft auf neue und überraschende Weise zu entdecken, und Fragen über das archivierte und das verborgene Wissen innerhalb und außerhalb der Museumsmauern zu erforschen.

• Premiere
• Performance
• Installation
• Konzert

It is a non stop curiosity, like a puppy incessant discovering. It is a non stop effervescent attention that keeps on receiving and emitting information. It is a non stop scrupulous awareness of the present moment. It is a non stop generous disposition to change. It is a non stop cheerful celebration of complexity and multitasking. It is a non stop tenacious attempt to make visible what dance can do. In this work, Louise Dahl, Zrinka Užbinec and Darío Barreto Damas use repetition and rhythm as generators to dance a dance that claims its own survival by actualising its potential to be experienced as an ever-changing phenomena, which can coexist with other forms without submitting to them. 

• Performance
• Abschlussstück

3 Erzähler:innen praktizieren Geschichten, die sich das Weitergehen vorstellen. Es sind widerständige Geschichten in denen sich konkrete Weisen des Miteinander widerspiegeln. - Sie haben mehrere Anfänge, erzählen von neuen Allianzen an unerwarteten Orten und üben sich in Vorstellungskraft. Die Performance untersucht die situative, relationale und imaginative Qualität des Erzählens und geht der Frage nach, welches Potenzial dem gemeinsamen Erzählen (und Zuhören) inne wohnt. Das Mittel der integrierten Audiodeskription webt sich dabei in die Erzählung mit ein. 

• Performance
• Abschlussstück

In „over and over and over“ sehnen sich drei Performer*innen nach einem Kanal, um sich einzustimmen, um das singuläre Gewicht ihres Wartens zu einer kollektiven Erfahrung zu machen. Es geht um die Erfahrung von Zeit, die vom Warten geprägt ist, und um die Machtverhältnisse, die in sie eingewoben sind. Die wichtigen politischen Fragen und Forderungen, um zu verstehen, worum es beim Warten geht. Das Warten auf eine Zusage, das Warten auf einen Termin für ein Visum, das Warten auf ein weiteres Jahr, das Warten darauf, dass mein Fall zur Sprache kommt, das Warten darauf, dass meine Nummer aufgerufen wird, das Warten darauf, dass der Morgen anbricht. Wie viele andere warte ich immer noch darauf, dass unsere Stimmen gehört werden und dass sich ein Gefühl der Ruhe und Zugehörigkeit in unserem Körper einstellt. 

• Performance
• Premiere
• Abschlussstück

Ein Abend – drei kurze Solos über das Erzählen, das Erzähltwerden und das, was verschwiegen wird. Maren Ada Küpper, ASJA und Carlos Franke unterstützen sich gegenseitig in einer selbst-organisierten Veranstaltung und lassen ihre Arbeiten in ein Gespräch treten über alte Figuren, neue Narrationen und wiedergefundene Fantasien.

• Performance

Wie können wir uns mit dem verbinden, was hinter uns liegt? Wie sind wir hierher gekommen?
In dieser Relaxed Performance/ Participatory Workshop wollen wir gemeinsam über intergenerationales und kollektives Erinnern, diasporische Verbindungen und den Prozess des Trauerns und Re_generierens nachdenken. In unserer Forschung zu re_generativen Prozessen haben wir uns gefragt: Welche Machtverhältnisse müssen wir kritisch hinterfragen und welche kollektive Verantwortung tragen wir? Wer kann eigentlich „heilen“? Wie können dekoloniale Gesten aussehen? Durch Klang und Vibration erkunden wir die Beziehung zu unseren Körpern im Raum. Anhand von (poetischen) Scores bewegen und verweilen wir – und treten miteinander in Kontakt. Wir laden euch dazu ein, in Bewegung zu kommen oder im Stillstand einen Raum zwischen Orientierung und Desorientierung zu finden. Wer ist schon (des)orientiert?

Sprache: Deutsch und Englisch

• Slow Performance
• Workshop

Dieser Workshop ist eine Übung in radikaler Resilienz. Wir werden uns als kolonisierte Körper fragen, wie wir uns unsere Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft aneignen können. Der Prozess ist zwar begonnen, aber das Trauma des Kolonialismus ist immer noch in unsere Epigenetik eingeschrieben. Wie können wir den Kreislauf der Gewalt durchbrechen, unser Trauma heilen und uns unsere Körper und Objekte wieder aneignen – und was können wir für unsere Zukunft lernen?

Sprache: Englisch

• Workshop

Jeder Beat eine Silbe, jede Silbe ein Beat. Das ist das Prinzip, mit dem „piece for drumset and powerpoint“ einen Essay schreibt. In einer seltsam stummen Form von Karaoke werden die Grenzen von Sprache und deren Verständnis erkundet – und das, was danach noch kommt. Was als Text beginnt, wird allmählich zu einem Konzert. Die Starrheit der Powerpoint-Präsentation steht dabei im Gegensatz zur scheinbar lockeren Improvisation am Schlagzeug. Zwischen diesen beiden Elementen befindet sich das Publikum und muss entscheiden, welche Seite eine plausiblere Geschichte erzählt. Max Smirzitz konstruiert eine performative Versuchsanordnung, die die Schnittmengen zwischen Sprache, Rhythmus, Timing und Zeit untersucht. 

Gefördert durch die Kulturabteilung der Stadt Wien Dank an: Nastya Dzyuban, Allex. Fassberg, Patrick Faurot, Herbert Graf, Amélie Haller, Maria Huber, Viktorija Ilioska, Marie Kübler, Viccy Link, Florence Ruckstuhl, Nora Schneider, Anton Widauer, Merthe Wulf, sowie an das Frankfurt LAB und den Kurs Projektdramaturgie im WS18/19 am Institut für Angewandte Theaterwissenschaft Gießen Sponsored by Kulturabteilung der Stadt Wien 

• Performance
• Festival Körber Studio Junge Regie