DE: Gleich zwei Performances teilen sich mit kurzer Zwischenpause die große Bühne des Frankfurt LAB! Emigrant Songs Nastya Dzyuban In "Emigrant Songs" verweben vier Performer*innen Stimmen, Körper und Fäden zu einer gemeinsamen Landschaft. Während ein Tarnnetz langsam Gestalt annimmt, erklingen Volkslieder, inspiriert von der Region Polissja / Palesse, die sich überlagern und Fragmente von Zuhause über Grenzen hinweg tragen. Zwischen Weben und Singen erkunden sie kulturelle Tarnung und die stillen Aushandlungen der Migration – und fragen, wie eine Stimme präsent bleiben kann, während sie nach einem Ort sucht, zu dem sie gehören kann. BÄM BÄM BÄM Justice wins. oder Tappen im Dunkeln ASJA Am Anfang: ein Mord. Am Ende: die Aufklärung. Dazwischen: völlig unklar. Mit Trenchcoat, langen Schatten und in genialer Selbstüberschätzung nähern sich ASJA und René Alejandro Huari Mateus der Figur des Meisterdetektivs, wie wir ihn aus Serien wie True Detective, Sherlock, Twin Peaks, Tatort, TKKG, oder Kalle Blomquist kennen. Ein mysteriöser Fall, ein rauschendes Radio und die Bühne als Tatort. Vor versammeltem Publikum hinterfragen unsere Detektivinnen ihre Sehnsucht nach vollumfänglicher Aufklärung und untersuchen ihre Lust an einem Genre, das so geheimnis- wie gewaltvoll ist.

EN: Two performances share the big stage at Frankfurt LAB with a short intermission! Emigrant Songs Nastya Dzyuban In “Emigrant Songs,” four performers weave voices, bodies, and threads into a shared landscape. As a camouflage net slowly takes shape, folk songs inspired by the Polissya/Palesse region overlap and carry fragments of home across borders. Between weaving and singing, they explore cultural camouflage and the silent negotiations of migration— and ask how a voice can remain present while searching for a place to belong. BÄM BÄM BÄM Justice wins. Or groping in the dark ASJA At the beginning: a murder. At the end: the solution. In between: completely unclear. Wearing trench coats, casting long shadows, and brimming with brilliant self-confidence, ASJA and René Alejandro Huari Mateus approach the figure of the master detective as we know him from series such as True Detective, Sherlock, Twin Peaks, Tatort, TKKG, or Kalle Blomquist. A mysterious case, a crackling radio, and the stage as the scene of the crime. In front of a gathered audience, our detectives question their longing for complete enlightenment and examine their desire for a genre that is as mysterious as it is violent. 

Weitere Aufführung am 29.03., 17 Uhr

Solidarisches Preissystem: 10/15/20€

"BÄM BÄM BÄM" Hinweise zum Inhalt: Die Performance setzt sich mit dem Krimi-Genre auseinander und verhandelt auf sprachlicher und bildlicher Ebene die Themen Gewalt, Tod, Mord und Polizei. Es gibt auf der Bühne eine Stoffpuppe, die als Leiche dient und eine Spielzeugpistole ohne Munition. Gegebenenfalls kann es zu Schussgeräuschen und einem plötzlichen Knall kommen. Auf der Bühne gibt es stellenweise gedämpftes Licht und Dunkelheit, sowie Nebel und Vaping.

Content Note: The performance deals with the genre of murder mystery and crime fiction and addresses the topics of violence, death, murder, and the police on a linguistic and visual level. There is a rag doll on stage that serves as a corpse and a toy gun without ammunition. There may be gunshot noises and a sudden bang. The stage is sometimes dimly lit and dark, and there will be fog and vaping.

Hinweise zur Sprache: Die Hauptsprachen der Performance sind Deutsch und Englisch, mit kurzen Passagen auf Spanisch und sudanesisch. Wir gehen davon aus, dass es für alle Menschen im Publikum Momente gibt, in denen sie eine Sprache nicht verstehen werden, oder dass Textelemente sich erst an anderer Stelle inhaltlich erschließen lassen. Die Performance ist so gebaut, dass die wichtigsten Inhalte sowohl auf Deutsch als auch auf Englisch vorkommen.

"Emigrant Songs" Hinweise zur Sprache: Die Hauptsprachen der Performance sind Ukrainisch und Belarussisch. Dennoch bleibt das Werk durch die geteilte menschliche Erfahrung, durch Bewegung und Klang unmittelbar zugänglich. Sprachkenntnisse sind nicht erforderlich. Um Ihr Erlebnis zu unterstützen, wird eine Broschüre mit Übersetzungen der Liedertexte bereitgestellt. 

• Performance

DE: Deutschland im Jahr 2000. Die neue Reality-Show Big Brother versetzt das Land in einen kollektiven Ausnahmezustand: Hundert Tage lang leben zehn Menschen gemeinsam in einem Container voller Kameras. Parteien, Kirchen und Medieninstitute fordern ein sofortiges Ende des „menschenverachtenden Experiments“, andere feiern die Demokratisierung des Fernsehens. Doch was als mediales Experiment beginnt, wird schnell zum gesellschaftlichen Brennglas: Während männliche Bewohner wie Slatko und Jürgen gefeiert werden, entlädt sich der Hass gegen einzelne Frauen im Haus. In Sprechchören, Schlagzeilen und Talkshows entblößt sich ein Land – seine Sehnsüchte, seine Ressentiments, seine Vorstellungen von Gemeinschaft… Mit BIG OTHER – Wir verstehen uns total bringt das europäische Performancekollektiv BOYS* IN SYNC die erste Staffel von Big Brother zurück auf die Bühne. Aus dem popkulturellen Phänomen wird ein theatraler Erfahrungsraum: Über uns, damals wie heute. Über Geschlechterrollen und Solidarität. Und über die Frage, was uns verbindet, wenn wir uns wirklich aushalten müssen. Eine Koproduktion mit den Landungsbrücken Frankfurt. Gefördert durch das Kulturamt Frankfurt. 

EN: Germany in the year 2000. The new reality show Big Brother plunges the country into a collective state of emergency: For one hundred days, ten people live together in a container filled with cameras. Political parties, churches, and media institutes call for an immediate end to the “inhumane experiment,” while others celebrate the democratization of television. But what begins as a media experiment quickly becomes a societal magnifying glass: While male contestants like Slatko and Jürgen are celebrated, hatred is unleashed against individual women in the house. In chants, headlines, and talk shows, a country lays itself bare—its longings, its resentments, its ideas of community… With BIG OTHER – Wir verstehen uns total, the European performance collective BOYS* IN SYNC brings the first season of Big Brother back to the stage. The pop-cultural phenomenon becomes a theatrical space of experience: about us, then and now. About gender roles and solidarity. And about the question of what connects us when we truly have to endure one another. A co-production with Landungsbrücken Frankfurt. Funded by Kulturamt Frankfurt. 

• Performance
• Premiere

SOLES is a stage ritual, a noise-kitchen, and a dance-spell for bodies and things that cannot be contained. A band of tricksters takes us to a neverending build-up. A hole, where the order of things is turned inside-out. Organic, synthetic, and technical bodies enter cycles of shapeshifting and mutual activation, refusing to work the way they’re expected to, insisting on the right to remain ungraspable. Productivity slows down, functions fail, stability crumbles, usefulness becomes useless. No thing serves, every thing acts. Mundane turns to magic, trash to treasure. SOLES is an invitation to remember the innate animatedness and queerness of things and sit with tangled, unstable togetherness. It rehearses what happens when we stop taking the ground for granted. When object-subject hierarchies suspend, categories pop, and meaning keeps leaking. 

• Abschlussstück
• Premiere
• Performance
• Tanz

DE: Die rechtsextreme Szene baut ihren Einfluss in den Sozialen Medien aus, indem sie ihre Radikalisierungsstrategien mit Hilfe von Algorithmen und Fake-Profilen verfolgt. Aber wie können wir eine kollektive Stimme dagegen bilden? Welche Strategien gibt es gegen rechten Hass im Internet und wie können wir einen Raum schaffen, um dagegen entschlossen und gemeinsam vorzugehen? Mit der Multimedia-Installation „Thinking in Clouds” wollen wir mit Formen des Widerstands experimentieren und eine kollektive Stimme gegen die extreme Rechte schaffen. In einem performativen Workshop-Teil nähern wir uns Strategien der Empathie-basierten Gegenrede. Anschließend lädt eine interaktive Installation alle Besucher*innen dazu ein, selbst aktiv zu werden - gemeinsam kreieren wir durch Gegenreden, Musik und Geräusche eine Sound-Wolke gegen Rechts. Das Stück richtet sich an alle, die neugierig sind, wie wir digitalem Hass und Online-Radikalisierung entgegenwirken können, unabhängig von Vorwissen. Wenn ihr euch für digitale Zivilcourage interessiert oder Lust habt, eine performative und klangbasierte Form des Miteinanders auszuprobieren, kommt vorbei!

EN: The far right wing is expanding their influence on social media following their radicalization strategies through tactical use of algorithms and sock puppet profiles. But how can we create a collective voice against this? What are the strategies against right wing hate online and how can we create a brave space in order to fight back? With the multimedia installation "Thinking in Clouds" we want to experiment with ways of resistance and create a collective voice against the far right. In a performative workshop section, we explore strategies for empathy-based counterspeech. Afterwards, an interactive installation invites all visitors to get involved themselves – together, we create a sound cloud against the far right through counterspeech, music and other sounds. The piece is aimed at anyone who is curious about how we can counter digital hate and online radicalisation, regardless of prior knowledge. If you are interested in digital civil courage or would like to try out a performative and sound-based form of togetherness, feel free to join us! 

Weitere Aufführungen:

Sonntag 22.03.2026, Theater neben dem Turm, Marburg, 17:00

Samstag 11.04.2026, Frankfurt LAB, Frankfurt am Main

Sonntag 12.04.2026, Frankfurt LAB, Frankfurt am Main 

Montag 13.04.2026, Frankfurt LAB, Frankfurt am Main 

• Premiere
• Abschlussstück
• Installation
• Performance

DE: How to archive a memory? How to archive feelings? soft archives untersucht Textilien als kollektive Archive und Träger von Erinnerung. In offenen Crafting-Sessions erforschen Teilnehmende mit dem künstlerischen Team, wie sich Sehnsucht, Zugehörigkeit und Erfahrungen in ein Material einschreiben und verweben lassen und was im Zusammenkommen entsteht, während die Hände beschäftigt sind. Das wachsende Geflecht mündet in eine multisensorische Installation mit integrierter Audiodeskription, in der Besucher*innen in ein weiches Archiv eintauchen und dieses weiterspinnen können.

EN: How to archive a memory? How to archive feelings? soft archives explores textiles as collective archives and carriers of memory. In open crafting sessions, participants and the artistic team investigate how longing, belonging, and lived experiences can be woven into a material—how they inscribe themselves and intertwine, and what emerges in the shared act of making while hands are busy. The growing fabric culminates in a multisensory installation with integrated audio description, inviting visitors to immerse themselves in a soft archive and continue weaving it further. 

Weitere Öffnungszeiten: 21.03.2026, 16-21 Uhr

• Installation
• Premiere
• Abschlussstück

DE: KREUZSTICH GELEE Eine performative Rauminstallation zum Idealbild der Hausfrau Der Kreuzstich ist ein Zierstich aus zwei, sich schräg kreuzenden, einzelnen Stichen. Das Wort Gelee wurde vom französischen gelée entlehnt und geht zurück auf das lateinische gelare für „gefrieren“ oder „zum Erstarren bringen“ und bezeichnet Lebensmittel mit gallertartiger Konsistenz. Eine Sofaecke, eine Küchenzeile, ein gesticktes Glossar. Das Rühren der Geliermasse, ihr Guss in eine kleine Form. Eine Treppe mit Étagèren, ein paar Plastikblumen, eine fragende Wand. Wie hat sich das Idealbild der Hausfrau mit der Zeit entwickelt? Wie prägt es unsere Gesellschaft noch (oder gerade) heute? Was wurde uns durch unsere Mütter und Großmütter vermittelt? Wie beeinflusst uns der Content von Tradwives auf Social-Media? Welche Ideen und Lebensmodelle wollen wir an die nächsten Generationen vererben? Ein Zettel im Wackelpudding. Eine Antwort? Die Ausstellung verhandelt Fragen an das Idealbild der Hausfrau anhand einer Rauminstallation, in der eine Person durchgehend performt. Zusätzlich sind persönliche Erfahrungen, Gedanken und Bezüge zum Thema von Menschen verschiedener Generationen aus Gießen zu hören. Neben Wackelpudding gibt es für alle, die Lust haben, einen kleinen Raum für Austausch und eigene Fragen. Atelier trafo (Bismarckstraße 9, 35390 Gießen) der Raum ist leider nicht barrierefrei Eintritt ist frei.

EN: CROSS-STITCH JELLY A performative spatial installation on the ideal image of the housewife The cross-stitch is a decorative stitch consisting of two individual stitches that cross at an angle. The word jelly was borrowed from the French gelée and goes back to the Latin gelare, meaning “to freeze” or “to cause to solidify,” and refers to foods with a gelatinous consistency. A sofa corner, a kitchenette, an embroidered glossary. Stirring the jelly mixture, pouring it into a small mold. A staircase with étagères, a few plastic flowers, a questioning wall. How has the ideal image of the housewife evolved over time? How does it still (or especially) shape our society today? What did our mothers and grandmothers teach us? How does the content of Tradwives on social media influence us? What ideas and models of life do we want to pass on to the next generations? A note in the jelly. An answer? The exhibition addresses questions about the ideal image of the housewife through a room installation in which one person performs continuously. In addition, personal experiences, thoughts, and references to the topic from people of different generations from Giessen can be heard. In addition to jelly, there is a small room for exchange and questions for anyone who is interested. Atelier trafo (Bismarckstraße 9, 35390 Giessen) Unfortunately, the space is not wheelchair accessible. Admission is free. 

Weitere Termine: 

08.03.//12-14 und 18-20 Uhr

09.03.// 14-18 Uhr

10.03.//11-13 Uhr 

• Installation
• Performance

„Ein ebenso geniales wie praktikables Verfahren zur Organisation einer Gemeinschaft“ – so beschreibt die Rechtswissenschaftlerin Christine Desan Geld. Bloß scheint dieses Verfahren furchtbar falsch angewandt zu werden. Geld ist zwar in Hülle und Fülle vorhanden, doch leider überall da, wo es gebraucht wird, knapp. Wer darf Geld schöpfen? Zu welchen Zwecken, und wer erhält es zuerst? Und warum wird das akzeptiert? In einer interaktiven Theaterperformance untersucht VOLL:MILCH die Infrastruktur modernen Geldes. Dabei wird die Geldordnung auf die Bühne gebracht, ihre historisch gewachsenen, gesellschaftspolitischen Dimensionen beleuchtet und kritisch hinterfragt. Vor dem Hintergrund von behaupteten Sparzwängen, Austeritätspolitik sowie falscher Annahmen, Bilder und Vorstellungen von Geld, legt die Inszenierung den Fokus auf das schier endlose Potenzial modernen Geldes. 

Gefördert von: Kulturamt Frankfurt am Main // Hessisches Ministerium für Wissenschaft, Forschung, Kunst und Kultur // Ministerium für Wissenschaft und Kultur Niedersachsen // Stiftung Niedersachsen // Friedrich Weinhagen Stiftung // Stabsstelle für Kultur und Stiftungen Hildesheim // Zukunftsstiftung Mensch und Gesellschaft der GLS Treuhand In Kooperation mit: Theaterhaus Hildesheim 

Weitere Aufführung am 1. März, 18 Uhr

• Performance

DE:

Der Regisseur kommt herein und sagt laut in den Raum: „Ich hatte schon zwei Stunden Sitzung heute Morgen! Sehr erfolgreich. Strukturen! Strukturen und Menschen!“ Er hat nichts verstanden.* Ausgehend von den eigenen Erfahrungen der Performerin als Regiehospitantin thematisiert die Lecture Performance die Funktionsweisen von Macht und Hierarchie am Theater. Mithilfe von Tagebucheinträgen und Sprachnachrichten erinnert sich die Performerin zurück an ihre Zeit am Berliner Ensemble. Die individuelle Geschichte verweist auf etwas Größeres, auf ein System: Wieso scheinen im Theaterbetrieb bestimmte autoritäre Praktiken und Dynamiken völlig akzeptiert zu sein? Wieso werden auf den Bühnen dieses Landes Fragen von Emanzipation und Pluralismus verhandelt, während es im Produktionsprozess oft ganz anders aussieht? 

EN:

The director comes in and loudly says into the room: “I already had a two-hour session this morning! Very successful. Structures! Structures and people!” He didn’t understand anything.* Based on the performer's own experiences as a director's trainee, the lecture performance addresses the functioning of power and hierarchy in the theater from a radically personal perspective. The individual story always points to something larger, to a system: diary entries and voice messages alternate with feminist analysis and structural criticism. A trainee has made enough coffee and begins to speak. 

• Lecture-Performance
• Gastspiel/ WIederaufnahme

Was haben eine Affenmaske, eine Singende Säge und Skaten miteinander zu tun? Was verbindet Audre Lorde und John Cage? Wer ist relativ jung, hat ein großes Herz und Knochen wie ein Vogel? Und wie sortieren Sie eigentlich Ihre Bücher? Etwa nach der Größe? Carlos Franke versucht eine ganz persönliche Sortierung: Nicht bloß der Bücher, sondern des ganzen Lebens. 

26.2. auf Englisch, 27.2. auf Deutsch 

• Performance

DE: 1968 öffnet sich der Eiserne Vorhang einen Spaltbreit: Auf dem Musikfest „Intervision“ im tschechoslowakischen Karlovy Vary stehen erstmals Stars aus Ost- und Westeuropa auf der Bühne, nur wenige Wochen, bevor der Einmarsch sowjetischer Panzer die Kulturpolitik des Prager Frühlings beendet. Erst nach dem Fall der Berliner Mauer kommt es zu einem erneuten gesamteuropäischen Musikwettbewerb: diesmal lädt der westeuropäische Rundfunk zum gemeinsamen Eurovision Song Contest ein. Der Intervision gerät in Vergessenheit. Zum Glück hat die europäische Performancegruppe BOYS* IN SYNC eine Leidenschaft für Liederwettbewerbe und große Showmomente! In InterEuroVision beleuchten sie den vergessenen Intervision Wettbewerb, performen die Hits aus Ost und West in ihren Muttersprachen und fragen nach den politischen Dimensionen beider Songcontests: Welche Symbolwirkung hat der Intervision für uns heute? Warum wissen, wir so wenig über dieses historische Ereignis? Und was sagt das über unser kollektives europäisches Gedächtnis aus? Bis heute beeinflussen europäische und internationale Konflikte den Eurovision Song Contest und erschweren den Anspruch einer unpolitischen, freudigen Ausstrahlung. Gleichzeitig ist der Eurovision zu einer Bühne für queeres Empowerment geworden. So unpolitisch internationale Gesangswettbewerbe wie der Eurovision Song Contest oder der Intervision auch erscheinen sollen, sie sind immer auch politisch motiviert. Die Showeinlagen, Kommentare und Songs der Shows von 1968 erzählen uns von diesem Zusammenhang. Eingeladen zu den Autor:innentheatertagen 2025 ans Deutsche Theater Berlin. Eine Koproduktion mit Residenz Schauspiel Leipzig in Zusammenarbeit mit der Kaserne Basel, gefördert durch FFUK Norway und den Fonds Darstellende Künste aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien.

ENG: In 1968, the Iron Curtain opens just a crack: at the music festival “Intervision” in Karlovy Vary, Czechoslovakia, stars from East and West Europe stand together on stage for the first time, only weeks before the invasion of Soviet tanks brings an end to the cultural politics of the Prague Spring. Only after the fall of the Berlin Wall does another pan-European music competition emerge: this time, Western European broadcasters invite everyone to join the shared Eurovision Song Contest. Intervision fades into oblivion. Fortunately, the European performance group BOYS* IN SYNC has a passion for song contests and great show moments! In InterEuroVision, they cast light on the forgotten Intervision competition, perform hits from East and West in their native languages, and ask about the political dimensions of both song contests:
What symbolic meaning does Intervision hold for us today? Why do we know so little about this historical event? And what does that say about our collective European memory? To this day, European and international conflicts influence the Eurovision Song Contest and challenge its claim to an unpolitical, joyful spirit. At the same time, Eurovision has become a stage for queer empowerment. As unpolitical as international singing competitions such as the Eurovision Song Contest or Intervision may appear, they have always been politically motivated as well. The performances, commentaries, and songs from 1968 can tell us about this connection. Invited to the Autor:innentheatertage 2025 at Deutsches Theater Berlin. A co-production with Residenz Schauspiel Leipzig in collaboration with Kaserne Basel, funded by FFUK Norway and the Fonds Darstellende Künste, supported by the Federal Government Commissioner for Culture and the Media. 

• Performance

DE: Der 24. Februar 2022 ist uns allen in Erinnerung geblieben. Doch wissen wir noch, was wir an dem Tag gemacht haben? Was wir gedacht haben? Was hat sich seitdem verändert? Wie erinnern wir uns und wie geht die russische Invasion der Ukraine ins kollektive Gedächtnis ein? Die installative Performance „exp!osure“ versucht festzuhalten, einzurahmen, auszustellen. In Anlehnung an analoge Fotografie
fragen wir uns, wie Ereignisse beleuchtet und belichtet werden, welche Ausschnitte gezeigt werden, welche Bilder sich einprägen und wie sie sich entwickeln. Gleichzeitig rahmen eine ukrainische und eine russische Performerin auf der Bühne das Material und machen neue Aspekte sichtbar.

EN: We all remember February 24th, 2022. But do we remember what we did on that day? What we were thinking? What has changed since then? How do we remember and  how does the Russian invasion of Ukraine enter our collective memory? The installative performance “exp!osure” attempts to capture, frame and exhibit certain
memories. Based on analog photography, we ask ourselves how events are illuminated and exposed, which excerpts are shown, which images are memorized and how they develop. At the same time, a russian and an ukrainian performer on stage frame the material and make new aspects visible through their experiences.

• Performance
• Wiederaufnahme

kommando glitzer, angriff rot
wir retten deutschland in der not
mit stolz und stärke, frisch voran
tradition pflegt jedermann

"Stolz und Strass in (4/4)" ist eine performative Suche nach Parallelen von Gardetanz und Militär. Wir exerzieren die Ästhetiken der Ordnung, ritualisierte Bewegungsabläufe und die Faszination an Synchronität im Zusammenspiel mit Eleganz und Kontrolle.

Förder*innen:
Hessische Theaterakademie, Kulturamt der Stadt Frankfurt, Wider Sense

Partner*innen:
Institut für Angewandte Theaterwissenschaft, kunstrasen giessen e.V

Für ein studentisches Theaterprojekt suchen wir Menschen, die über ihre Geschichte mit Trauer und Verlust auf einer Bühne sprechen wollen. Wir werden gemeinsam ein Stück entwickeln. Dabei entscheiden wir zusammen was wir teilen, erzählen und darstellen. Die Proben finden zwischen Februar und Juni 2026 in Gießen statt. Vorerfahrung auf der Bühne sind nicht wichtig, komm wie du bist! Wenn du Interesse hast oder noch Fragen (oder beides) komm zu unserem offenen Infotreffen in der Alten Universitätsbibliothek. Die Proberäume sind mit dem Rollstuhl zugänglich. 

• Infotreffen

„Trembling Heart, Panicked Desire (this is not a participatory performance)” is about revealing everything and finding out if something is actually there. This room is empty. You are in my head. While I do not have a gender, my anxiety apparently has. I am terrified, and yet: You are here. You are here. I feel criminal because I feel. Surrender. 

Eine Welt, in der alles instabil scheint, in der sogar die Muttersprache schon zu verletzlich ist: „Trembling Heart, Panicked Desire (this is not a participatory performance)“ stellt einen Körper auf die Bühne, der nur der Angst vertrauen kann. Der körperliche Exzess wird zur Sicherheitsgarantie, während Stimme und Herzschlag, Licht und Sound zu Vermittlern des vermeintlich Realen werden. Die autofiktionale Soloperformance bewegt sich im Spannungsfeld von Kontrolle, Kontrollverlust, Vertrauen, Hingabe, und Entgrenzung. Sie ist ein Versuch, die sozialen Machtverhältnisse zwischen Bühne, Publikum und der sozialen Angst zu verhandeln: Kann jemand, der die Bühne betritt und das eigene Selbst in der Angst verliert, überhaupt existieren? 

Duration: 50 minutes. Languages: English/some German. MA final piece. CN: Blickkontakt.

• Abschlussstück
• Performance
  
  

Wir fragen: „Wann bist du geboren? Vor der Flut? Oder nach der Flut?“ Die multisensorische Performance „Driften bis wir Wasser sind“ beschäftigt sich mit Fluten. Ausgang der Performance ist die Kluft zwischen wissenschaftlicher Flutwarnung und der menschlichen Reaktion darauf: Erst wenn das Chaos eintritt, wird die Flut real. Die Flut wird zur Hauptakteur*in und formt den Abend. Das Publikum erfährt eine geflutete Landschaft, in der nichts gehorcht, aber alles fließt. Wir flüstern: „Die Flut kommt. Die Flut kommt nicht. Die Flut kommt. Die Flut kommt nicht.“ Greta Katharina Klein und ihr Team untersuchen die Zeitlichkeit der Flut: In welchem Verhältnis stehen die eruptive Wucht der Flut und die Dauer ihrer Nachwirkungen? Welche Geschichten überdauern die Flut, welche verschwinden? Sie beschäftigen sich mit ihrer räumlichen Dynamik: Wie wird Auflösung erfahren? Sie untersuchen das soziale Verhältnis zur Flut: Wie kann die Spannung zwischen individueller und kollektiver Verantwortung im Hinblick auf Katastrophenwarnungen verstanden werden? „Driften bis wir Wasser sind“ ist eine künstlerische Reflexion über das Verhältnis von Mensch und Natur im Kontext ökologischer Krisen. Auf der Bühne wird der Verlust von Orientierung in der Dunkelheit erprobt; eine Klangkomposition aus Stimmen breitet sich aus und fließt ineinander; und eine Fluten-Puppe, die die Flut körperlich spürbar macht, wird aktiviert. Klein und ihr Team laden das Publikum als unverzichtbaren Teil des Systems ein, im Theaterraum das Miteinander verschiedener Natur-Akteur*innen zu erfahren. 

Sprache: In deutscher Lautsprache mit künstlerischer Audiodeskription und Tastführung, entwickelt in Co-Autor*innenschaft von einer blinden und zwei sehenden Personen für ein blindes und sehbehindertes Publikum.

• Performance
• Abschlussstück

Deutsch: 

In herausfordernden und sich verschärfenden Zeiten, Zeiten des sich zuspitzenden Klimawandels und Massenaussterbens, geopolitischer Kriege und dem erstarken autoritärer Regime, entstehen Emotionen. Auf der einen Seite: Überwältigung, Aufruhr und ein Gefühl der Vergeblichkeit. Auf der anderen Seite ermutigt diese Situation Menschen Veränderungen anzugehen und Verantwortung in sozialen Bewegungen zu übernehmen.

In Electrifying Sadness bewegen wir uns auf der Bühne rund um eine Trauerweide, die uns als Archiv für Traurigkeit und Widerstandsfähigkeit dient. Mithilfe von Briefen, die mal von Erschöpfung und mal von Zuversicht erzählen, Klageliedern und Bewegungen wird die Trauerweide bespielt. Ein spannungsgeladenes Geflecht aus sicht- und hörbaren Emotionen füllt den Raum zwischen der Bühne und dem Publikum. Wir erforschen den Zusammenhang zwischen verschwiegenen und geteilten Gefühlen wie der Trauer, Zerrüttung und Unruhe. Wir fragen uns, welche kreativen, politischen und transformativen Potentiale in diesen Gefühlszuständen stecken?

Die Aufführung wird ermöglicht durch die Gießener Hochschulgesellschaft und die Hessische Theaterakademie.

Sensorische Reize und Content Notes: Stroboskop

Pay what you can

English: 

In challenging and intensifying times, times of exacerbating climate change and mass extinction, geopolitical wars and the rise of authoritarian regimes, emotions arise. On one hand: overwhelm, disturbance and and a feeling of futility. On the other hand, this situation encourages people to tackle change and embrace responsibility in social movements.

In Electrifying Sadness, we move around a weeping willow on stage, which serves us as an archive of sorrow and resilience. Through letters that sometimes tell of exhaustion and sometimes confidence, and through lamentations and movements, we explore the weeping willow's many branches. A tense web of visible and audible emotions fills the space between the stage and the audience. We explore the connection between hidden and shared sentiments of grief, disruption and unrest. We ask ourselves what kind of creative, political and transformative potential is stored in our feelings?

Sensory stimuli and content notes: strobe lighting

Admission by donation / pay what you can

• Performance
• Abschlussstück
• Premiere

Geld setzt unterschiedliche Emotionen und Affekte frei. Geld ist Objekt der Fixierung und der Projektion, alltägliche Neurose und Mittel zur Wunscherfüllung. Es bestimmt bis ins Letzte unser gesellschaftliches Zusammenleben.

Im Prozess der Analyse begeben sich die Teilnehmer*innen in die Tiefenstrukturen des Geld-Komplexes. Gemeinsam als Gruppe untersuchen wir Geld als Verdrängung unserer gesellschaftlichen Abhängigkeiten und konfrontieren uns mit dem Unbewussten des Geldes. In spekulativen Übungen fragen wir nach dem Ursprung des Geldes und suchen dabei nach neuen Formen des Zusammenkommens. Geld wird zum Mittel der Therapie.

Für die Analyse wird Geld zur Verfügung gestellt.

Die Teilnahme ist kostenfrei. Da es eine begrenzte Teilnehmendenzahl gibt, wird um Anmeldung gebeten unter mail@kunstverein-langenhagen.de

“Psychoanalyse des Geldes” ist eine Produktion von Felix Falczyk und Johanna Herschel in Koproduktion mit dem Implantieren Festival 2024. Gefördert durch das Kulturamt der Stadt Frankfurt und das Hessische Ministerium für Wissenschaft und Forschung, Kunst und Kultur.

Nele Tiidelepp’s performance "nights around counting steps (and fade to black)" is a process of exploring the possibilities of finding rhythm and falling out of it through dance and choreography. Rhythm is a way of dividing time, accompanied by emotional implications. Rhythm is a time-space surrounded by beats. What happens during a beat is clear. What remains between two beats is a blank space, something to be filled in. When we count: one and two and three and... We are interested in the "and." Three performers speak and dance, try to remember the past, copy each other, move through space with momentum, carry on and repeat. While we dance, we ask ourselves: which choreographies do we remember from our lives? What kind of dances are we allowed to perform? 

• Performance
• Premiere
• Abschlussstück

“For some of us our bodies are the site of oppression. Our bodies are contested territory.”
— Patty Berne (Disability Activist)

Alle 26 Sekunden vibriert die Erde. Schätzungsweise alle drei Tage stirbt ein Mensch an ME/CFS. Pro Person werden täglich 18 kg Sand abgebaut. In ihrer neuen Arbeit erproben Malin Harff and Collaborators das Überleben im endlosen Sturm – was passiert, wenn die Krise zur Norm wird? Das mixed-abled Team sucht nach Multispecies- Solidaritäten in Systemen, die nicht darauf ausgelegt sind und erforscht die Verflechtung von Klimakrise, Long Covid (ME/CFS), Atmung und der Extraktion des weltweit begehrtesten Rohstoffes Sand. Das mixed-abled Team verknüpft die Erschöpfung des Planeten mit der Erschöpfung schwerbehinderter Körper durch ME/CFS und Long Covid. Über 400 Millionen Menschen weltweit leiden an dieser multisystemischen Erkrankung, die als die medizinische Krise unseres Jahrhunderts benannt wird. Mit Deep Time, der Sopranistin Alge und dem Bass Sand probt die Band den Pop Song der nächsten Millionen Jahre.

Wir drehen die Bühne horizontal. 
Was, wenn Ausruhen keine Option, sondern die Lebensgrundlage ist?
Did you already rest today?

COVID sensible Veranstaltung: Wir bitten um das vorherige Testen und das Tragen von FFP2 Masken um die Sicherheit der Erkrankten zu gewährleisten. Es wird flexibles Seating und Liegemöglichkeiten für körperbeeinträchtigte Menschen geben. Bitte vorab an der Kasse angeben. Es wird eine Accesseinführung geben sowie die Möglichkeit zum Slowboarding. Bitte dafür frühzeitig vor Ort sein.

Weitere Aufführung am 18. Januar um 17 Uhr.

Unterstützt im Rahmen von Next Steps, einem Programm von Bureau Ritter zur Stärkung der Tanzschaffenden in Hessen. Gefördert von der Crespo Foundation.

Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes NRW, NRW Landesbüro Freie Darstellende Künste, Kulturreferat der Stadt Gießen.

In Koproduktion mit dem Produktionshaus NAXOS in Frankfurt.

Ein Projekt von flausen+. Das flausen+stipendium bei Sensemble Theater wurde gefördert vom Freistaat Bayern

• Performance
• Gastspiel

DE:

Wir laden euch herzlich zu unserer zweiten co-crafting session ein! In soft archives untersuchen wir Textilien als kollektive Archive und Träger von Geschichten und erforschen, wie sich Gemeinschaft, Erinnerungen und Erfahrungen in ein Material einschreiben lassen. In dieser session werden wir gemeinsam an einem großen Webrahmen arbeiten. Es sind keine Vorkenntnisse nötig. Die Veranstaltung findet im Foyer des Produktionshaus Naxos statt. Dieses ist zwar einigermaßen beheizt, aber es lohnt sich trotzdem in warmer Kleidung zu kommen. Für Tee, Kaffe und Snacks ist gesorgt. Wenn du spezifische Access-Bedürfnisse hast, kannst du diese in diesem Docs notieren oder mich direkt kontaktieren:

https://docs.google.com/document/d/1vvYraik3eHtPQi1RlZgmfJQVp2FgkoO85hAVgMivi4c/edit?tab=t.0

EN: We kindly invite you to our second co-crafting session! In soft archives, we examine textiles as collective archives and carriers of stories and explore how community, memories, and experiences can be inscribed into a material. In this session, we will work together on a large weaving frame. No prior knowledge is required. The event will take place in the foyer of the Naxos production house. Although it is somewhat heated, it is still worth coming in warm clothing. Tea, coffee, and snacks will be provided. If you have specific access needs, you can note them in this Docs or contact me directly:

https://docs.google.com/document/d/1vvYraik3eHtPQi1RlZgmfJQVp2FgkoO85hAVgMivi4c/edit?tab=t.0https://docs.google.com/document/d/1vvYraik3eHtPQi1RlZgmfJQVp2FgkoO85hAVgMivi4c/edit?tab=t.0 

See you there! Eva & the soft archives team 

Termine: Samstag 17.01.2026 - 16 Uhr; Produktionshaus Naxos Collective Startingpoints: 16:00 & 17:30 Uhr; Ende: 19 Uhr Wir empfehlen sich 30-90 min Zeit für den Crafting Score einzuplanen. Man kann aber auch die vollen 3 Stunden bleiben. :)

dates: Saturday, January 17, 2026 - 4 p.m.; Produktionshaus Naxos Collective Starting Points: 4 p.m. & 5:30 p.m.; End: 7 p.m. We recommend allowing 30-90 minutes for the crafting score. But you can also stay for the full 3 hours. :) 

• Performance
• Workshop
• Co-Crafting